Resumen de Armónicos

I:Conceptos

1)Qué es un armónico?

no voy a dar una charla científica al respecto. sólo diré que los sonidos que el bajo (y muchos otros instrumentos) emiten en realidad no son un sólo sonido, sino que son varios pequeños sonidos que unidos conforman un sonido audible y reconocible al oído humano: la notas musicales.
Por lo tanto, un armónico es la descomposición de ese sonido común en los demás (o en uno)que conforman, originando sonidos "nuevos" al oído. (algo así como pasar la luz por un prisma).

2)Tipos de armónicos

les voy a hablar de 2 tipos: los naturales y artificiales. existe otro "tipo" de armónicos que sería el llamado "de pulgar", que es utilizado casi en tu totalidad por guitarristas, por lo que no me referiré a él en esta oportunidad.

2a)Armónicos Naturales

Tomando la descripción anterior, éstos son la descomposición natural del sonido del bajo. Los armónicos naturales se consiguen poniendo algún dedo ligeramente sobre una cuerda e inmediatamente encima de un fret o traste, pero sin presionarla como se suele hacer. es importante hacerlos encima SUAVEMENTE del traste y no como si tocaran bajo comúnmente en la mitad del espacio o justo atrás del traste (para bajistas fretted o con trastes), aunque piensen que es lo mismo, más adelante verán que no es así.

2b)Armónicos Artificiales

A diferencia de los naturales, es necesario presionar algún espacio en el mástil para obtenerlos. pueden hacerse tocando una nota normal y luego tocar SUAVEMENTE la misma cuerda 12 espacios más arriba ej:
tocar un la en la 2da cuerda (espacio 7) y rozar el espacio 19.

también pueden hacerse presionando un espacio cualquiera sin hacer sonar la nota y colocando el dedo pulgar (a lo Jaco) o el índice (a lo Bailey) SUAVEMENTE sobre la cuerda 12 espacios más arriba pulsan
la cuerda con el dedo anular (o el que les acomode).

Ahora que hemos visto básicamente los conceptos y ya tienen una idea de cómo se hacen, vamos a practicar con ellos.


II Ejercicios, técnicas y uso de Armónicos

1)Armónicos Naturales

1a)Uso:

Como usen los armónicos, claro está que es su decisión e inventiva, pero por lo general se usan en acompañamientos y en temas o partes de ellos "calmados" (en una tema Grindcore, no creo que peguen ni suenen mucho). pueden crear acordes y arpegios con ellos, deslizarlos (en bajos fretless), etc

1b)Tabla general de armónicos:

Sé que esto debiese explicarse quizá con más extensión pero por el formato de esta guía me veo forzado a explicarlos con una tabla.

en esta tabla o listado que presentaré a continuación están los armónicos artificiales que pueden obtener y su relación con la cuerda.


ESPACIO SONIDO

12 el mismo que la nota presionada. suena 1 octava
más arriba que la cuerda al aire.

7 - 19 1 octava más arriba que la nota presionada. suena una quinta octavada más alta que la cuerda al aire.Ej:si hacen el armónico en el espacio 7 de la segunda cuerda (un la) sonará un La 1 octava más arriba o una quinta del Re (cuerda 2 al aire) + 1 octava. prueben hacer el armónico y luego, dejando sonar, toquen el espacio 14 de la 1º cuerda.

5 - 24 Suena 2 octavas más alto que la cuerda al aire.

4 - 9 - 16 2 octavas más que la nota presionada.Suena como una 3ra mayor octavada 2 veces.

Acá comenzamos con algunos armónicos "decimales"

3,2 Suena 1 octava más alto que el armónico en el espacio 7. o una quinta con 2 octavas.

2,7 2 octavas más una 7ma menor de la cuerda al aire, o 3 octavas más alto menos 1 tono.

2,2 3 octavas más alto que la cuerda al aire.

2 3 octavas más alto más una 2da mayor, o 3 octavas más alto que la nota presionada.

1,8 1 octava más alto que el armónico en el espacio 4.

1c)Ejercicios:

por lo general yo recomiendo explorar más que dar tips and tricks, pero dada la impersonalidad de la guía, vamos con unos pocos ejercicios:

<> = ARMÓNICO


G|------<5>-<7>-----<5>-<4>------------------------------------|
D|--<4>---------<4>-------------<5>-<7>-----<5>-<4>------------|
A|--------------------------<4>---------<4>-------------<5>-<7>-|
E|--------------------------------------------------<4>-----------|

G|-----------------------------------<5>-----<7>----------------|
D|-------------------------------<5>----------------------------|
A|------<5>-<4>--------------<7>-------------------------------|
E|--<4>-----------------<12>------------------------------------|

los otros armónicos son extensiones de estos básicos, por lo que les invito a incluir los demás según la tabla.

2)Armónicos Artificiales.

Estos armónicos a mi parecer, son mucho más versátiles que los naturales, dados que el sonido que uno puede obtener es el que uno desee y no uno "predeterminado". en mi caso, al tener un bajo de 4 cuerdas, con estos armónicos puedo lograr notas mucho más altas y tocar tan alto o más como con un bajo de 6 o una guitarra.

En ese sentido, Steve Bailey ha sido en quién más me he inspirado para aprender y aplicar estos conceptos a mis líneas de bajo. si pueden ver o conseguirse material de él, hay un video de nombre advanced rock
bass que explica esta técnica a cabalidad.

Otros músicos destacados para mí que escucho diariamente son Sean Malone (Aghora, Gordian Knot, Cynic, Cortlandt, Anomaly, Aeon Spoke, Portal, etc), Steve Di Giorgio (Sadus, Testament, Vintersorg, Scariot, Quo Vadis, Sebastian Bach and friends, Funeral( usa), Death, etc), Tyr (Borknagar, Satyricon, Emperor, Vintersorg, Thornbound, etc), todos maestros del bajo, en especial del fretless.

Usando esta técnica pueden construirse todo tipo de acordes y arpegios con total libertad, pero eso merece un capítulo aparte completo dada la complejidad y variantes del tema.

En esta ocasión les explicaré cómo hacerlos y dar unos ejemplos.

Como decía previamente, se pueden hacer pulsando una nota y rozando su octava más alta (12 espacios más arriba en el mástil) o digitando un espacio (o nota) a elección y luego colocar suavemente, ya sea el dedo pulgar o el índice 12 espacios más arriba y pulsar con otro dedo la cuerda.

Desde ya les digo que el uso del pulgar no es muy recomendable en mi opinión, dado que es muy limitante para alternar entre cuerdas y hacerlo rápidamente y por sobretodo, usando el dedo índice queda el pulgar libre, que puede ser usado para pulsar una nota Convencionalmente y con los otros dedos hacer armónicos artificiales mientras se toca una nota base.

2A)PASO A PASO

1)digitar una nota en el mástil sin hacerla sonar, sólo colocar el dedo en la nota elegida y presionar SIN QUE SUENE.

2)ubicar la mano izquierda (para diestros) a distancia de octava (12 espacios) y ubicar el dedo índice junto arriba del traste (RECORDAR: LOS ARMÓNICOS SE HACEN JUSTO ARRIBA DE LOS TRASTES, NO ADELANTE Y TRAS ELLOS, CUANDO EXPLOREN ESTA TÉCNICA VAN A DARSE CUENTA QUE EL NO HACERLO SOBRE LOS TRASTES CONDUCE A ERRORES).

me imagino que si entendieron esto, se deben haber preguntado: y si la nota que presiono supera el espacio 12, ¿cómo lo hago si el mástil se acaba a esa altura?

Esta técnica está apoyada en la consistencia y la proporcionalidad. si no han dominado los naturales, mejor no comenzar a ver esta técnica, ya que es necesaria una cuota grande de precisión y de consistencia (tocar con seguridad, sin errores ni vacilaciones) para lograr asombrosos resultados. como me lo han dicho también, "primero debes aprender a caminar y luego vas a correr, no antes".

Dada esta advertencia, lo que se debe hacer es calcular el lugar donde se debe colocar el dedo índice. Esto no es fácil en un comienzo, pero para eso se debe ir probando, avanzando en el mástil con la mano derecha y moviéndose PROPORCIONALMENTE con la izquierda para ir haciendo los armónicos, sin hacer que se corten o dejen de sonar, luego con la práctica, van a aprender las posiciones de memoria y van a tener
el cálculo visual para hacerlo sin problemas.

3)pulsar con el dedo anular la cuerda para hacer el armónico.

Como se habrán dado cuenta, la idea básica es octavar las notas y darles un sonido de "campana".

2B)EJERCICIOS:

Acá van algunos ejercicios de esta técnica, extraídos del libro "BASS EXTREMES" de Victor Wooten y Steve Bailey, disponible en video también (en Youtube pueden encontrar estos temas).

<> =armónico
n= natural
a= artificial
()= espacio donde debe ir el dedo índice
lr= let ring - dejar sonar

R=redonda
B= Blanca
N=negra
c=corchea,etc

de "A Chick From Corea"


4/4 a a
C|-------<10>(22)-----------<10>(22)---------------------------|
G|-------<9>-(21)-----------<9>-(21)---------------------------|
D|-------------------------------------------------------------|
A|---9---------------9-----------------------------------------|
E|-------------------------------------------------------------|
B|-------------------------------------------------------------|

B n b n

para bajo de 4 cuerdas:

a a a a
G|------<10>-(22)------------|------<10>(22)------<10>(22)--|-----<9>(21)--|
D|------<10>-(22)------------|-------<9>(21)--------<9>(21)-|------<9>(21)--|
A|-----------------12----11--|--10----------------------------|---------------|
E|---10----------------------|----------------10--------------|--8-------------|

n n n n b n b n r n
lr lr

veamos un ejemplo aplicado como arpegio, usando una nota base y armónicos artificiales arpegiados.

de "Stan the Man"

4/4 a a a a a a
C|------------<4>(16)-----------|--------------<4>(16)-------------|
G|-------<4>(16)---<4>(16)------|--------<6>(18)-------<6>(18)---|
D|------------------------------|----------------------------------|
A|------------------------------|----------------------------------|
E|---4-----------------------4--|---5--------------------------5---|
B|------------------------------|----------------------------------|

n c c n n n c c n n
lr lr

4/4 a a a a a a a
C|------------<8>(20)-----------|--------------<8>(20)--<8>(27)--<8>(20)-------|
G|-------<9>(21)---<9>(21)------|--------<9>(21)-------------------------------|
D|------------------------------|----------------------------------------------|
A|------------------------------|----------------------------------------------|
E|---7-----------------------7--|---9--------------------------------------9---|
B|------------------------------|----------------------------------------------|

n c c n n n c c c c
lr lr

fuente: chilemusicos.net

Entrevista a Glenn Hughes por Sergio Guillén

El de Glenn Hughes es un nombre que hace bastantes años que tiene sus letras escritas en oro en esto del Rock con clase. Un instrumentista y cantante que aportó sin dudarlo su personalísimo toque a mastodontes de la talla de Deep Purple o Black Sabbath. Un mago musical que ha compartido labores con virtuosos como Ritchie Blackmore, Jeff Beck o Gary Moore. En la actualidad mantiene sin problemas dos carreras paralelas: su camino en solitario y el proyecto H.T.P. creado junto a su amigo Joe Lynn Turner. Hace un tiempo publicó su imprescindible “Songs In The Key Of Rock” (disco del que puedes encontrar un análisis en nuestra sección de “críticas”), y ahora ha llegado el momento de compartir unos minutos con el maestro. Por esta razón, y esperando que me lo permitáis, el que escribe estas palabras ha decidido salirse de su puesto como periodista y se presenta ante el músico como un simple seguidor amante de sus creaciones. Suena el teléfono... Al habla: Glenn Hughes.

Ante todo debo reconocer que Glenn Hughes es un cantante que mantiene su garganta a punto. Estuve presente en el concierto de H.T.P. en Madrid y demostraste una vez más que tu voz sigue ganando con los años.

Muchas gracias. Es realmente un don divino, esa es la única explicación que le encuentro.

Bien, y si hablamos de tus cualidades como solista, explicanos un poco todo el tema de la competición entre Paul Rodgers y tú... Eso de que a él le llaman “La Voz” y a ti “La Voz del Rock”.

Bueno, es todo una broma. Paul es amigo mío y ambos disfrutamos con el estilo del otro. Pero, de todas formas, es divertido. (Risas)

Centrémonos en tu nuevo álbum de estudio en solitario, “Songs In The Key Of Rock”... ¿Con ese título has intentado dejar claras tus intenciones y principios?

Sí, realmente quería que todos los que están grabando discos en la actualidad se enteren de que puedo volver con un álbum de Rock potente, clásico y tradicional, tomando lo mejor de la cepa de los setenta. Esa es la obra que he querido componer, siempre pensando en los seguidores del género.

Y es que podríamos decir que entre finales de los sesenta y mitad de los setenta reside la magia y la esencia del Rock duro original.

Por supuesto, y de hecho es el área que siempre tengo bajo mi microscopio particular, el tiempo que se encuentra entre 1968 y 1975. Debo reconocer que ese periodo fue uno de los más intensos de mi vida, así que si tengo que grabar un disco de música Rock, quiero hacerlo fijándome en la época de la que vengo. Sería absurdo que un artista de mi edad se pusiera hacer música para los fans de Limp Bizkit. (Risas)

Hablemos ahora de “Higher Places”, uno de los temas que conforman tu nuevo trabajo, y de su dedicatoria a John “Bonzo” Bonham. ¿Qué recuerdos tienes de tan mítico baterista?

El siempre fue uno de mis grandes amigos, además de que tocamos bastante juntos. Debo reconocer que tanto el estilo de los Led Zeppelin en general, como el de “Bonzo” en particular, me influyó mucho en su día. Así que con “Higher Places” quería darle ese merecido tributo que se ganó de sobra gracias a su forma de interpretar ante una batería.

Y ya entrados en materia, echemos la vista atrás a esos años dorados de los que me hablabas antes. Tú tocaste algunos años junto a Ritchie Blackmore en tus días como miembro de Deep Purple. ¿Qué recuerdas de esa relación con Blackmore en aquella etapa?

Ritchie es una persona muy extraña, le encanta dramatizarlo todo y convertirlo en una tragedia. Es alguien que no sabe demostrar su afecto a los demás. Sigue siendo amigo mío, aunque debo reconocer que siempre se ha mostrado como un ser muy frío y calculador.

Entonces, ¿qué problemas se sucedieron para que la cosa terminara tan mal?


Bueno, Ritchie siempre ha tenido un tremendo problema con los cantantes. Yo pienso que lo que le pasaba es que su auto estima a veces le fallaba... Y no es que dudara de su capacidad como guitarrista, era simplemente el hecho de preguntarse si podría llegar a mantenerse siempre como centro de atención dentro de los Purple. No quería que nadie le pudiera quitar ese foco, así que le molestaba que alguno intentara sobresalir. Recuerdo que no le gustaba que me moviera tanto en el escenario, quería que me quedara quieto para no quitarle el protagonismo. Yo jamás me he movido por eso, lo que pasa es que necesitaba expresar lo que sentía al tocar mi bajo. Era un tipo realmente difícil.

¿Cómo ves a Ritchie en su proyecto Blackmore´s Night?

La verdad es que no le he seguido mucho, ya que tampoco suelo escuchar ese tipo de música. Pero bueno, sé que es feliz en esta nueva etapa y eso es bastante.

Algo que también está latente y de lo que todo el mundo habla es la posible reunión de Rainbow, ¿cómo ves el tema? ¿Hay posibilidades?

Si la cosa sale adelante tendrá que ser con el tándem original de Blackmore/Dio. A Joe Lynn Turner le tengo en gran estima y es como un hermano para mí, pero pienso que si en algún momento Rainbow vuelve a las andadas, lo más apropiado sería con Ronnie James Dio. Reconozco que me encantó la etapa con Joe, aunque no creo que ahora Ritchie esté demasiado de acuerdo con ello.

Bueno, sigamos escarbando en el pasado de los Deep Purple y en algunas de sus curiosidades. Háblanos de aquello de incluir en el set de los conciertos una versión del “Georgia On My Mind” de Hoagy Carmichael, ¿tuviste problemas para que aceptaran meter dicha tonada en los directos?

No tuve ningún tipo de problema, aunque realmente yo no propuse tocar esa canción. El caso es que, en el solo que hacía Jon Lord a mediados de los setenta al final de “Smoke On The Water”, un día se puso a tocar la música de dicha composición... Yo simplemente me uní a la voz y canté la letra de “Georgia On My Mind”. Fue algo parecido a una “jam session” particular entre Jon y yo.

Y repasando aquella época en la que compartías el micrófono con David Coverdale, ¿qué hay de cierto en esos rumores de que a ti te dejaban encargarte de las partes más duras y difíciles a las que David se suponía que no llegaba?

No sé... Puede que fuera así pero no estoy muy seguro. (Risas)

Pero no hay que olvidar que David Coverdale terminó monopolizando el álbum “Come Taste The Band”. ¿Por qué no compusiste tú más canciones? Mucha gente pensamos que a ese trabajo le falta un poco más de tu toque personal.

Fueron días extraños: entra Tommy Bolin en Deep Purple, David se quiere establecer como solista buscando nuevos caminos y yo no estoy del todo de acuerdo con muchas de las decisiones que tomaba él por aquella época. En cualquier caso, por lo menos saqué tres grandes composiciones de aquel álbum. Los temas “Gettin´ Tighter”, “You Keep On Moving” y “This Time Around” son creaciones de las que estoy realmente orgulloso.

De hecho, podríamos decir que son lo mejor de “Come Taste The Band”...

Me siento muy feliz con aquella contribución.

Bueno, cuando has tocado “Gettin´ Tighter” y “You Keep On Moving” ya en solitario han seguido sonando realmente al día y con mucha frescura.

Gracias... Creo que incluiré ambas en mis actuaciones en España. Seguro que podría estar muy bien.

Me comentabas antes la entrada de Tommy Bolin en los Purple... Sé que ambos eráis magníficos amigos. ¿Qué recuerdos te vienen a la cabeza de su unión a vuestra banda?

Era increíble. Recuerdo que desde el primer día de ensayo, en la audición, ya conectamos bien. Tras la misma se vino conmigo a tomar algo a mi casa y nos hicimos grandes amigos. Compartimos piso durante un par de meses y toda era fantástico, le sentía como si fuera mi hermano pequeño. Creo que conmigo fue con el miembro de Purple con el que se relacionó mejor, al que conocía más de cerca. Desafortunadamente no supe darme cuenta a tiempo de que Tommy tenía un problema mucho más importante con las drogas que el mío... No lo vi. Así que al pasar toda la tragedia de su muerte me dejó muy tocado.

Durante todos estos años has trabajado y compartido las tablas con muchos guitarristas. Si tuvieras que hacer una lista, a quién pondrías el primero.

Quiero ser totalmente sincero en esto... He tocado con muchísimos grandes: Gary Moore, Ritchie Blackmore, Jeff Beck, Tommy Bolin, Tony Iommi, Pat Thrall... Pero al final he descubierto que J.J. Marsh es el guitarra que más me gusta, mi preferido. Marsh me entiende totalmente, tanto a la hora de componer como en el momento de desarrollar un show sobre el escenario. Es un gran amigo y apoya sin reparos toda la música de Glenn Hughes.

Sí... De hecho, quería comentarte que me impresionó gratamente su forma de tocar en vuestra venida a España con H.T.P. Además, en los momentos en los que se encarga de pasajes compuestos por Ritchie, los interpreta con una fidelidad asombrosa.

Os puedo asegurar que vendrá conmigo en esta gira ya que es una parte fundamental en el sonido Glenn Hughes. Podríamos decir que J.J. es mi Ritchie Blackmore particular, es ese poderoso guitarrista que puede mantener el espectáculo sobre las tablas.

Y tras ojear tu etapa Purple en los que se conoció como las Mark III y IV, miremos ahora tu paso por Black Sabbath. En la distancia que dejan los años, cuéntanos... ¿Cómo valoras aquel “Seventh Star”?

Con mucho cariño. Tony Iommi era un gran amigo de juventud y me encantó participar en los Sabbath con él. Además, canciones como “Seventh Star”, no sé, tienen algo muy especial. Durante todos estos años yo he tocado todo tipo de música: Rock, Funk, Hard Rock y hasta Metal... Pero fue en ese rincón en el que todo encontraba su punto de unión.

Y hablando de los Sabbath, ¿cómo ves el tema de “Los Osbourne”?

Cuando pienso en Ozzy le recuerdo como yo le conocí, como aquel amigo en mi etapa de adolescente, una persona con la que crecí... Mucho antes de lo de Sharon y demás. Al ver “Los Osbourne” no puedo negar que me divierto bastante, aunque espero que esto no dañe más a Ozzy. Sé que Sharon le ama, así que deseo de todo corazón que le siga cuidando.

Y ya que estamos con la familia Osbourne, ¿cómo ves la carrera musical de su hija?

¡Terrible! (Risas) Recuerdo que en los setenta había muchísimo talento musical y eso era lo que luego daba dinero, aunque ahora parece que las tornas han cambiado. En la actualidad es el dinero el que parece dar cierto “talento” a gente que no puede aportar nada. De eso tienen mucha culpa los canales musicales y gran parte de las radios.

Llega el momento de poner el punto y final a esta entrevista así que, como regalo final, ¿puedes adelantarnos algo de tus descargas españolas?

Bueno, no me atrevo a decirte un setlist fijo ya que, si al final no tocamos alguno de los temas, el público se podría decepcionar. Lo que sí te adelanto es que tendremos un poco de todo: algo nuevo de “Songs In The Key Of Rock”, un par de temas del resto de mi etapa en solitario, también algo de mis inicios y, por supuesto, canciones de mis días en Deep Purple... Aunque te puedo decir que recuperaremos temas que hacía mucho que no tocaba. Quiero que todas las composiciones que se toquen esas noches tengan algo especial y que el público lo pueda sentir así.

Pues con eso nos quedamos, con la sensación dulce que dejan las palabras de uno de los grandes del Rock de todos los tiempos. Un músico por el que no pasan los años y que dentro de poco estará en nuestro país para demostrar que su apuesta sonora sigue estando tan vigente como hace treinta años. Para quitarse el sombrero.

fuente: renacerelectrico.com

Entrevista a Steve Harris por Héctor Prat

Después de unos meses, publicamos la entrevista que hicimos a Steve Harris en Londres durante la escucha de su álbum "A Matter Of Life And Death".

- Tras la primera escucha debo felicitarte, habéis logrado finalizar un álbum excelente, aunque realmente no es fácil de asimilar, es muy experimental, no entra ni mucho menos a la primera.
Sí, sin duda. La influencia progresiva se nota mucho en este álbum. Además está lleno de épica, es el álbum más épico que hemos hecho jamás. No ha sido algo planeado, surgió así. Sabes que nunca planeamos nada. También es un álbum muy basado en riffs de guitarra. Es un álbum fuerte, quizás muy oscuro en ciertos momentos, lo que pueda hacer que no sea sencillo de escuchar, pero es un disco excitante.

- Lo que es de agradecer es que tras tantos años de historia aún seáis capaces de experimentar y sorprender.
Sí, sin duda sorprenderá a más de uno, pero como te he comentado, no es algo que hayamos planeado. En Iron Maiden no sabes nunca lo que va a suceder a continuación. No escribimos lo que la gente quiere escuchar básicamente porque no sabemos qué quieren escuchar. Nunca analizamos este tipo de cosas. Casi todo lo que aparece en el disco ha sido grabado en la primera toma, todo el proceso fue muy rápido, lo que es muy bueno. El proceso de composición fue también muy rápido, y todos vinimos con ideas, ha sido muy participativo, todos nos hemos involucrado mucho en él. En los últimos dos álbumes, como ha sucedido en anteriores álbumes, solía componer un tema yo solo, pero esta vez no ha sido posible. Teníamos veinte canciones compuestas, y nos tuvimos que quedar con diez, ¡y porque no había espacio para más!. Este álbum y la manera en que hemos trabajado me ha llevado a sitios que no me han llevado otros, en una dirección distinta, ha sido muy inspirante.

- Habéis grabado canción a canción y no habéis continuado con la siguiente hasta que no habéis finalizado la que os ocupaba en ese momento.
Sí, así ha sido. No continuamos con una canción hasta que no finalizábamos la anterior. Es una gran manera de trabajar, que seguro repetiremos en el futuro. Te permite concentrarte en el tema hasta que se convierte en una realidad. Kevin ha hecho un trabajo excelente. Lo hizo también en los dos anteriores álbumes, pero esta vez todo ha parecido encajar del todo. No sé por qué, pero ha sido su mejor trabajo desde que está con nosotros.

- Habéis tardado un poco en encontrar la fórmula adecuada, ¿no crees?
(risas) Pero si te fijas el sonido vuelve a ser un poco el sonido tradicional del grupo, hemos cambiado un poco la base del sonido. Vuelven a tener presencia la batería, las guitarras. No tiene un sonido con tanto espacio como en los dos anteriores discos. Creímos que era lo correcto y lo hicimos, no estaba para nada premeditado. A todo el grupo le pareció correcto y creo que ha resultado bien. Creo que hemos logrado hacer un álbum progresivo y diferente, pero suena a la vez como el material antiguo, sobre la base de nuestro sonido tradicional.

- Parece que Bruce ha optado por experimentar con su voz, por ejemplo en temas como “Lord Of Light”, “Out Of The Shadows” o “Brighter Than A Thousand Suns”.
Sí, es porque ahora está escribiendo las letras sobre mis melodías. Antes no podía hacerlo, porque las canciones tenían melodías específicas, y no acababan de encajar. Pero esta vez, al ser un álbum más épico, ha podido hacerlo, se ha sentido muy feliz de descubrir que lo podía hacer. Y sin duda el resultado ha sido muy bueno.

- Hay pocas canciones que puedan ir directamente a las emisoras de radio, como por ejemplo “Different Worlds”. ¿Cuál es la canción de la que te sientes más orgulloso y cuál la que crees que será más cantada en directo?
Todas pueden ser cantadas en directo, pero creo que “The Longest Day” será la más coreada. “Different Worlds” es la más pegadiza, probablemente se acabe convirtiendo en single algún día. Creo que todo el álbum está lleno de melodías pegadizas, y pueden funcionar bien en directo, con lo que en los conciertos de la actual gira tocaremos mucho del nuevo material. Tenemos ganas de ver la reacción del público ante él.

- ¿Así que crees que estas canciones pueden funcionar en directo?
Lo intentaremos, a ver qué sucede. Veremos qué tal es la respuesta del público. De todas maneras siempre tocamos un mínimo de seis canciones nuevas, y quizás esta vez toquemos alguna más.

- Habéis grabado este álbum a una velocidad increíble. No creo que en vuestro caso sea por problemas de agenda o de alquiler del estudio.
(risas) No, no, pero es cierto, es realmente increíble. El estudio estaba alquilado por mucho más tiempo del que hemos estado finalmente. Así que tuvimos que cancelar el resto de la reserva, lo que es muy bueno porque ahorramos tiempo y dinero (risas). En serio, no planeamos que saliera así, pero las cosas fueron de esta manera.

- Quizás es que queríais acabar pronto para poder seguir los partidos del Mundial de fútbol.
(risas) Tienes razón, nos has pillado. Además teníamos toda la promoción por delante. Siempre seguimos los campeonatos de Europa o los Mundiales, y vemos cuantos más partidos mejor.

- Por lo que pude leer en el diario que escribía Kevin Shirley en su página web, parece que os lo pasasteis bien grabando.
Sí, nos lo hemos pasado muy bien. El ambiente en el grupo es excelente. Estamos todos muy excitados con el álbum y con la idea de tocarlo en directo. Nos hemos involucrado todos mucho en él, es nuestra manera normal de ser.

- Por supuesto tendréis vuestras discusiones, tal como se pudo ver en algún fragmento del DVD “Death On The Road”. En estos casos, ¿trabajáis como una democracia? En el vídeo pareces tener siempre la última palabra.
(risas) Absolutamente, trabajamos como una democracia. Es mejor tomar las decisiones de esta manera. Aunque hay muchas cosas alrededor de Maiden, el tema de los vídeos, entrevistas, internet... Yo me encargo de muchos de estos temas, pero no los puedo llevar yo solo, así que ahora delego tareas, cualquiera del grupo sabe como actuar y lo hace libremente.

- “A Matter Of Life And Death” evoca la guerra, o como mínimo situaciones extremas en la vida. ¿Se puede considerar un álbum conceptual?
No, no es un álbum conceptual. Hay 6 o 7 canciones que tratan de guerra y religión, no el álbum entero. El título por sí mismo ya describe el trasfondo del disco. Con él no pretendemos enseñar ni dar lecciones a nadie. Todo el mundo sabe de lo que estamos hablando, de la asquerosidad de las guerras, del uso que hace el hombre de la religión para provocar desgracias. Y nunca aprendemos. Pero eso todo el mundo lo sabe, no es anda nuevo.

- Y de nuevo distintas combinaciones de miembros del grupo en las composiciones. ¿Puedes decirnos qué aporta cada uno a la música de Maiden? ¿Es fácil de distinguir un tema compuesto por uno o por otro?
Todos aportan algo distinto al grupo. Adrian tiene mucho que ver en la nueva dirección que hemos tomado, con su sonido más basado en riffs. Yo mismo cuando escribo canciones me siento influenciado por ellos, a la vez que yo les influencio. Es lo bueno de trabajar juntos.

- Porque cada uno evoluciona de manera distinta frente a la música. Una vez os juntáis, esta evolución acaba por ser absorbida por el sonido del grupo.
Cuando empiezo a escribir una canción tengo una idea básica sobre como va a ser. Pero me gusta cuando alguien viene con otra idea para la melodía, y lleva la canción por otro camino, lo que está muy bien y favorece al resultado final de la canción.

- Así que aprendes del resto del grupo.
Todos aprendemos de todos, así es como funciona.

- “These Colours Don’t Run” es un título usado por muchas canciones para criticar la política de Estados Unidos. ¿El fondo de vuestra canción es este?¿Alguna relación con el Ozzfest?
(Risas). Seguro que el título inspiró las letras de la canción, y el título proviene de la crítica que comentas. Pero no tiene nada que ver con el incidente del Ozzfest.

- ¿Y como crees que se lo tomarán en Estados Unidos? El ambiente está un poco caldeado después de lo sucedido con la familia Osbourne.
Bien, no es una reacción contra Estados Unidos. Es una reacción contra...

- ...¿alguna persona en particular de allí?.
Sí. (risas). No creo que importe realmente.

- Creo que te puedes sentir orgulloso de uno de los últimos DVDs publicados por Maiden, y en el que has trabajado activamente, “The Early Days”. Es un DVD obligatorio para cualquier fan de Maiden que se precie. ¿Sigue en pie la idea de publicar DVDs de todas las épocas del grupo?
Sí. Doy mucha importancia a estos DVDs. Es una manera de que los fans, sobretodo los más nuevos, descubran más sobre la historia del grupo, porque quizás ni habían nacido cuando hicimos los tres primeros discos. Y por supuesto también va dirigido a los que ya estaban allí con nosotros en esa época, quizás también aprendan algo del grupo que desconocían anteriormente.

- Los dos documentales que aparecen en “The Early Days” y “Death On The Road” son fantásticos.
¡Gracias!

- Es impresionante ver todo lo que se mueve desde la primera nota que se compone de un álbum hasta el momento en que se presenta sobre un escenario, y la de gente que participa en todo el proceso. Llegáis al nivel de la marca de las cuerdas de las guitarras de cada uno...
Los fans siempre quieren más, y nosotros queremos ofrecerles lo máximo que podemos.

- Seguro que aún te sorprendes de lo que es capaz de mover Maiden en todo el mundo.
Te puedo asegurar que sí, es increíble, nunca dejo de sorprenderme. Tenemos los mejores fans del Mundo, y los más obsesivos (risas).

- ¿Y puedes sentir la presión de estos fans obsesivos en tu trabajo?
No, disfruto con ello. Son los mejores. No creo que ningún grupo tenga fans como los que tenemos nosotros.

- ¿Y sentís más presión ahora que tenéis tanta gente expectante o cuando teníais que confirmar vuestro nombre con la grabación de “Killers”?
Creo que es distinto. En esa época podías sentir la presión porque estabas construyendo un grupo, y teníamos que luchar por conseguir seguidores, pero ahora tenemos más y más fans cada día. En los shows de Maiden puedes ver a familias enteras. Ves al abuelo, a los padres y a los hijos, lo cual es brillante.

- Y pudiendo retiraros y vivir tranquilos cómodamente, ¿por qué continuar con esta vida non-stop?¿Cuál es vuestra motivación?
Intentamos hacerlo lo mejor que podemos. De todas maneras hemos de ser conscientes de que no podemos continuar siempre al ritmo que lo hemos hecho hasta ahora, no podemos físicamente. No podemos comprometernos a hacer los tours extensos que hacíamos anteriormente. Hacemos giras, pero las hacemos más cortas (aunque quizás las hagamos más frecuentemente) lo que es una pena porque dejamos de tocar en sitios como Portugal, Grecia, Bélgica o Australia, por ejemplo. Es una pena, porque queremos tocar en todos los sitios donde exista un fan de Maiden, pero para próximas giras tenemos que asegurarnos de tocar en todos estos sitios. Es una situación muy difícil, pero hemos de ser realistas y ofrecer lo mejor en los conciertos. Para que esto sea así la calidad debe primar sobre la cantidad. No es bonito admitirlo, pero nos hacemos mayores y no tendremos veinticinco años nunca más.

- Hablando de la próxima gira, ¿podemos esperar un escenario al estilo “Paschendale” de la última gira, con ambientación bélica y una gran carga escénica?
Sí. Aún no sabemos como será el escenario pero sí que será algo muy trabajado, potente. Tenemos muchas ideas sobre los modelos de escenario que nos gustaría, pero el problema es llevarlas a la práctica, no siempre es posible. Lo que está claro es que la escenografía será una parte muy importante del concierto.

- En cuanto al repertorio, has comentado que tocaréis seis canciones del nuevo álbum.
Sí, como mínimo.

- ¿Así no habrá sorpresas en el set list?¿Alguna canción antigua que nunca hayáis tocado, o la gira de “The Early Days” sirvió precisamente para esto?
La verdad es que aún no sé las canciones que vamos a tocar. Únicamente sé que, como es lógico, “A Matter Of Life And Death” tendrá una importante presencia.

- ¿Acerca del single, crees que representa al álbum, o es el que puede llegar más fácilmente a radios y fans?
La canción que podría ser más fácilmente un single es “Different Worlds”. Es la canción que sería el típico single, corto y accesible, y seguramente lo sea en un futuro. Pero el tema escogido (“The Reincarnation Of Benjamin Breeg”) es realmente una muestra del álbum. Hoy en día los singles no son importantes, no es necesario conocer una canción a través de la radio, aparte de que mayoritariamente no emiten nuestras canciones.

- Y en referencia a la portada, ¿nos puedes desvelar algo? (por aquel entonces se desconocía cuál iba a ser)
No (risas).

- Sabía la respuesta. ¿Sabes que por internet ya habían aparecido títulos inventados del álbum, portadas trucadas del single, incluso las caras B?
Sabía lo de los títulos inventados, pero lo de la portada del single, ¿es cierto?

- Sí, como cara B aparecía “Stairway To Heaven” y la portada era el logo en blanco y negro.
No me lo puedo creer. ¿Dónde lo viste?

- No recuerdo, en algún lugar de la red.
Sea lo que sea es una completa mierda.

- Lo que sí es cierto es que las caras B de los singles serán versiones, ¿Nos puedes adelantar algo?
Sí, serán versiones en algún caso, y antiguas grabaciones en otros. Con el tiempo las descubriréis.

- Hablando de rumores. El clásico es el que dice que dice constantemente que Maiden se separa después de tal disco o de tal gira. De hecho ya se han oído rumores en diversas radios anunciando que os separáis después de esta gira. ¿sigue esta idea en pie? ¿Hay Maiden para rato? Alguna vez has comentado que querías grabar quince discos con Iron Maiden. Aún te queda uno.
Como mínimo. Estoy convencido que como mínimo habrá un álbum más de Iron Maiden. Y si hacemos este álbum quince, sumamos el presente tour, los próximos festivales de verano, la grabación del siguiente álbum, la consiguiente gira y sus festivales de verano, tenemos Iron Maiden para unos cuantos años más. Por supuesto que algún día pararemos, pero no será ahora. No estamos preparados para separarnos ahora. No hago caso de estos rumores, de hecho creo que hasta nos ayudan, pues muchos compran las entradas de los conciertos pensando que va a ser la última oportunidad que tienen de vernos en directo (risas). Por supuesto será algo muy triste para todo el grupo cuando esto suceda, así que quizás necesitaré hacer algunos DVDs más para perdurar (risas).

- Sabes que para muchos fans vuestros, Iron Maiden es una parte importante en sus vidas.
Y también de las nuestras (risas).

- Costará asimilar vuestra separación, el día que llegue.
Siendo realistas. Actualmente tenemos mucha confianza en nosotros mismos, físicamente somos capaces de continuar, pero nunca sabes lo que hay al girar la esquina, debes ser realista, no podemos tocar para siempre. Mira lo que le sucedió a Clive, mañana te puede suceder cualquier cosa, especialmente cuando alcanzas cierta edad. Así que tienes que vivir al día, gira tras gira, pensar en el hoy.

- Como has comentado antes, muchos países y ciudades se quedarán sin veros, en cambio un tercio de la gira es en Escandinavia. ¿Qué está sucediendo allí para que les dediquéis tantos conciertos, sacrificando otros países?
¡Es una locura! Las entradas se venden en minutos, así que nos vimos con la obligación de tocar más días allí. Como te he comentado es una pena no tocar en países como Portugal (es especialmente doloroso no tocar allí precisamente), seguramente en próximas giras no toquemos tantas fechas en Escandinavia. Pero no podemos tocar en todos los sitios donde nos gustaría. Si hiciéramos esto, estaríamos de gira un año entero. Fíjate solo en España, podríamos tocar en diez sitios como mínimo: Barcelona, San Sebastián, Madrid, Murcia, Granada, Cádiz, Sevilla....seguro que puedes decirme muchos más. Es de locos. Podríamos tocar en todos, de hecho ya lo hemos hecho antes, pero actualmente es imposible. Los festivales de verano facilitan el que gente de todas partes se reúna más fácilmente, llegamos a más gente.

- Sin embargo, corrígeme si me equivoco, pero creo que no hay ninguna posibilidad de que toquéis en algún festival este verano.
No, posiblemente hagamos algo en el siguiente, pero este año nos centraremos en el tour europeo.

- Última pregunta. ¿Cómo vives el día después de la publicación de un álbum?¿Nervioso mirando las listas de ventas?¿Tranquilo pensando que por fin todo acabó?
Para serte sincero estoy más nervioso cuando estoy componiendo el material, cuando escribo las canciones. Una vez ya están hechas y ves el resultado, estás más tranquilo de ver que has hecho un buen trabajo, cosa que no sabes hasta ese momento. Y sinceramente creo que hemos hecho un gran trabajo. Queremos que a la gente le guste, ya veremos qué pasa. Creo que todo irá bien. Pero ahora ya estamos satisfechos por el trabajo bien hecho.

- ¿Y qué opinión te merece más atención, familia, amigos, fans, prensa?
¿Tú que crees?

- La de los fans.
Correcto.

- ¿Pero quién es al primero al que le has mostrado el álbum finalizado?
A la familia. En cuanto a los fans, saben toda la información del grupo al segundo, queremos sentirlos cerca y que sepan de nosotros. Pero nunca escribimos para ellos, no escribimos pensando en qué van a opinar del álbum. Si tenemos suerte les gustará.

- Seguro que sí. Muchas gracias por dedicarnos tu tiempo.
Gracias a ti.

fuente: pieceofmetal.com

Entrevista a Robert Trujillo por Arturo Pardo

El miembro más reciente de Metallica entró a la banda hace 7 años como sustituto de Jason Newsted. Mucho ha pasado desde entonces: el álbum St. Anger tuvo su respectivo y poco recordado tour de promoción, luego la agrupación entró al estudio y salió con el respetado Death Magnetic, de cuya gira ya se han derivado dos DVD.

Para ingresar al conjunto, Robert Trujillo tuvo que pasar por una estricta audición en la que participaron otros reconocidos músicos. Según el resto de integrantes del grupo, él fue el único que les inspiró verdadera confianza para ocupar el ansiado puesto de bajista.

Trujillo, de 45 años de edad y de madre mexicana, ha sabido llenar su espacio en una de las bandas más importantes del rock pesado. Su labor no se ha quedado en la interpretación de las piezas de la extensa discografía del grupo, pues también aportó ideas para la elaboración del último álbum de la banda y se ha convertido en una fuerte figura sobre el escenario.

Sobre sus hombros pesan importantes aportes con grandes leyendas del metal: mencionar a Ozzy Osbourne es suficiente, pero también podemos sumarle Black Label Society, Infectious Grooves, Jerry Cantrell y la reconocida Suicidal Tendencies, banda con la que se dio a conocer.

En el estadio Ricardo Saprissa, en el camerino de Metallica, el domingo 7 de marzo del 2010, Trujillo atendió a este medio por casi 20 minutos. Apenas ingresó al cuarto donde se realizaría la entrevista, el músico, sonriente y dispuesto a responder todo lo necesario, se acomodó su larga cabellera negra, abrió los ojos para despabilarse y luego aseguró que su apariencia no era la mejor porque se la había pasado un buen rato en la playa.

En una mano sostuvo un batido de mango en agua para refrescarse, y en la otra un micrófono para comenzar a hablar. Así transcurrió la conversación con él (*aquí va traducida):

¿Hacemos la entrevista en español o en inglés?

Bueno, en español puedo decir “gracias, mamita mía, San Miguel, San Juan, Santiago, Veracruz, Tijuana”... ¿Qué más puedo decir?...

Mi español no es tan bueno. Me crié en Los Ángeles entonces desafortunadamente algunas veces cuando quiero hablar no me sale tan bien como debería. Me puedo acostumbrar a escucharlo… pero mejor no para esta entrevista.

¿Qué se siente escuchar desde acá a la multitud gritando?

Me encanta, desde que veníamos por la calle, ver a los fans ahí afuera es increíble.

¿Te acostumbrás a vivir esto?

Uno nunca se acostumbra a eso, es emocionante, siempre aprecias el hecho de que Metallica todavía sea relevante después de tantos años.

Muchas veces cuando inducen a un grupo al Salón de la Fama del Rock and Roll ya pasaron sus años de gloria, pero a pesar de que nosotros fuimos inducidos hace un tiempo parece que todavía alguien nos quiere y por eso se mantiene esa una relevancia de la que te hablaba. Esta actitud de los fans nos hace sentir bien.

¿Qué responsabilidad implica ser integrante de Metallica?

Por una razón Metallica es una banda –por lo menos en este momento de nuestras carreras– en la que nos gusta hacer bien el trabajo. Ahora tenemos familias y tenemos muchas cosas en común por nuestras familias –lo que es lindísimo–, pero cuando vamos a trabajar realmente nos gusta cuidar muy bien esto.

Yo siempre trato de prepararme mucho antes de los ensayos, y a veces intento aprenderme canciones oscuras, esperando convencer al resto del grupo de que las toquemos. Por ejemplo hemos estado tocando Dyers Eve o The Shortest Straw… hay muchas canciones muy 'cool' que han estado entrando en el setlist. Creo que mientras yo haga mi tarea, y logre encender a los otros muchachos para que lo hagan, esto es muy emocionante.

En cuanto a lo que significa estar en la banda, amo la historia de su música, subirme al escenario con mis compañeros y tocar frente a todos estos maravillosos fans.

Para estar en Metallica uno tiene que tener una gran ética laboral.

En 1993 giraste con Metallica cuando estabas con Suicidal Tendencies. ¿En aquel entonces deseaste de alguna forma ser parte del grupo?

Bueno… creo que siempre que estás compartiendo escenario con una banda tan poderosa como Metallica, de alguna forma hay un momento en el que sueñas despierto y quieres estar ahí con ellos.

En un momento, en aquel entonces, fue muy interesante porque una de las noches Jason (Newsted) estaba teniendo malestares en sus manos, o brazos –no recuerdo–, entonces uno de los mánagers vino al camerino de Suicidal Tendencies y me dijo: “Robert, ¿crees que puedes subirte a tocar bajo esta noche?; estamos esperando a que Jason se ponga bien”. Yo le dije “bueno… creo que sí; haré lo mejor que pueda”.

Aquel momento significó algo para mí. Cuando eso pasa te pones a pensar “wow… ¿qué tal si pasara?”. Nunca pasó, y no tenía por qué pasar, pero fueron 5 minutos raros en los que ese pensamiento se presentó.

Eso fue en 1993 y ahora aquí estamos, casi 20 años después, haciendo música juntos, entonces lo hace más curioso.

Me imagino que entrar a la banda 23 años después de que fue fundada representa un reto aún más difícil...

Sí. Cuando entré al grupo me tuve que aprender 23 años de catálogo, lo que es mucha música. Además me tuve que aprender las 11 canciones del St. Anger, que nunca antes habían sido interpretadas en concierto; no habían sido tocadas como grupo, entonces eso implicaba mucho trabajo.

Mucha gente me pregunta “¿qué hiciste cuando te pidieron que entraras al grupo?, ¿celebraste, hiciste una fiesta?” y yo les digo que no, realmente hice conciencia sobre todo el trabajo que tenía que realizar y empecé a planear cómo tenía que hacerlo.

No hubo celebración, estaba muy feliz, pero también estaba concentrado en pensar cómo salir adelante con todo esto.

Cuando empezamos la entrevista dijiste que venías de la playa. Sé que te encanta surfear y que Kirk Hammett también surfea, eso implica que en medio de tanto trabajo musical tienen que hacerle campo a otra de sus pasiones: el surf.

Sí, sí. Eso es lo más increíble de estar aquí en Costa Rica; hemos podido estar en el agua varias veces. Ayer tuvimos una excelente sesión de surf en Playa Grande y un par de días antes también. Había olas perfectas, no utilizamos traje de surfear, solo lo que llevábamos, había un muy buen sol…

Fue increíble porque después cenamos con unos amigos locales y con unos australianos con los que estuvimos sobre las olas. Es grandioso ¿qué más puedes pedir? Uno tiene la oportunidad de tocar en grandes conciertos de rock como este y además ir a surfear. Esto es como un viaje de surfeo / viaje de trabajo, pero el trabajo también es divertido entonces… es genial.

¿Y ya conocías a alguien de acá?

Bueno, hemos conocido a algunos surfos gracias a Billabong, y usualmente lo mejor de los surfistas es que siempre va a haber una conexión porque hay un interés en común... es como lo que sucede entre músicos que tocan música similar: La vibra es muy fuerte y es algo internacional.

Esto lo hemos hecho en Puerto Rico, acabo de hacerlo en Perú, lo puedes hacer en Australia o Francia… donde sea y ya sabes que vas a pasarla bien con tus colegas de las olas. Tener grandes cenas y dar grandes shows es increíble y eso es lo que estamos disfrutando en Costa Rica.

Una vez dijiste que la “música va mano a mano con surfear, hacer skateboarding y snowboarding”… y que cuando acababas de surfear tocabas mejor. ¿Es eso cierto?

Sí, es cierto, creo que es así. Siempre he dicho que te aliviana para el show pasar un buen tiempo en la playa, bajo el sol, experimentar esa parte de la vida es muy relajante y que te saca un sonrisa…

Cuando he dado shows en Hawai, por ejemplo, siempre he tenido grandes conciertos y creo que es porque mi energía se siente bien. Eso me pasa a mí, personalmente, pero a cada uno le pasa diferente. Kirk creo que diría lo mismo. Él vive en Hawai entonces él vive “el sueño”.

Es un gran honor vivir la música de esta manera.

En el documental Some Kind of Monster, James (Hetfield) y Lars (Urlich) dicen que cuando participaste en el primer jam junto a ellos, provocaste que ellos tocaran mejor. ¿Entonces, qué es eso que le agrega Robert Trujillo a Metallica en concierto y en el estudio?

Bueno, para mí lo más importante es tratar de mantener un balance entre James y Lars; especialmente en un escenario tan grande como este (el de Costa Rica). En nuestra música existe esta especie de zona que yo tengo que cubrir , y en la que tengo que mantenerme lo más sólido posible.

Hemos mejorado mucho en eso. Estamos tocando muy bien ahora, creo que somos más fuertes de lo que hemos sido siempre y eso es muy importante para nosotros. Los conciertos están saliendo muy bien y estamos en un momento donde podemos tocar relajadamente la mayoría de piezas que escogemos y pasarla muy bien, sin mayor presión.

Esto se trata de disfrutar las canciones junto con el público y sentir toda la energía.

¿Cuál es tu canción favorita para tocar en concierto?

Ufff! Eso varía. Hay momentos en los que me emociona mucho tocar piezas como My Apocalipse, que está llena de energía. También tuve una fase en la que disfrutaba tocar Disposable Heroes… varía mucho.

Esas dos canciones particularmente no las tocamos muy seguido, pero entre lo que tocamos regularmente… caray, es difícil decir, creo que todas ellas. Metallica tiene un gran catálogo de música; algunas de las canciones nuevas son muy entretenidas y a la vez representan un reto.

Es interesante porque acabo de reajustar mi técnica con la mano derecha al tocar bajo (en 'fingerstile'). Estoy usando más los dedos que antes. Esto es más físico ahora; las canciones viejas ya eran bastante físicas pero las nuevas lo son aún más y me siento muy bien con este cambio.

Por cierto, ¿qué pasó con tus trenzas?

Bueno, me gusta usarlas cuando hace mucho frío y está ventoso afuera, porque si no lo hago me empiezo a atragantar con mi propio pelo. Sin embargo, si hay temperatura moderada no tengo por qué ponerme trenzas.

Siempre depende…

Este año Metallica va a tocar junto con Anthrax, Slayer y Megadeth. ¿Qué esperás de ese tour?

Va ser muy divertido. Obviamente esto no se ha hecho antes. Como hace un año yo estaba cenando con Kerry King (guitarrista de Slayer) y empezamos a hablar sobre la posibilidad de hacer algo así, juntos, pero James fue el que empezó realmente a hacer que eso caminara hacia delante. Él habló con los mánagers y se emocionó mucho con esto; yo siempre había pensado que era una gran idea.

Vamos a ver cómo nos va… realmente no sabemos qué esperar, saldremos a hacer lo que siempre hacemos y las otras bandas también van a hacer lo mismo. Estoy seguro que todos vamos a ser amigos… va a ser muy divertido.

¿En este momento Metallica está trabajando en material nuevo?

Bueno, siempre estamos trabajando material nuevo. James está dándole vueltas a unas ideas increíbles acá en el cuarto donde ‘jameamos’ y nos preparamos antes de los conciertos. Yo he trabajado un montón de ideas en casa y a veces en el hotel.

Honestamente puedo decir que me siento muy bien con lo que va a pasar con nuestra música en el futuro. Yo diría que el Death Magnetic representa un área estable y segura para alistarse para lo que viene, y esto lo digo porque ahora trabajamos muy bien con Rick Rubin y nuestro ingeniero de sonido Greg Fidelman.

Con ellos sentimos que sabemos cómo trabajar y que tenemos una conexión muy fuerte, así como tenemos una gran conexión entre nosotros porque compartimos mucho tiempo en el escenario, grabamos juntos un disco y hemos sido creativos.

Estamos listos, la verdad, ya nacieron nuestros bebés, entonces a la vez vamos a tener un descanso. Vamos a estar de gira de aquí a fin de año; luego nos va a tomar un tiempo afuera para escribir y empezar un nuevo proceso.

En tu carrera has estado a lado de grandes líderes de banda, por ejemplo Ozzy Osbourne, Jerry Cantrell, Zack Wilde y ahora Lars o James en Metallica… pero ¿en algún momento has pensado tener tu propia banda y ser el frontman?

Hmm, bueno…. depende ¿sabes? En mis sueños he fantaseado ser una mezcla entre James Brown, Jimmy Page y Jimi Hendrix y Sid Vicious (ríe).

Cuando estuve en Infectious Grooves fue lo más cercano a que estuve de ser el líder de un grupo. Fue grandioso y fue muy divertido, pero a la vez representaba una gran presión; entre eso existe un balance.

Lo mejor de estar en Metallica es que esto es muy democrático, entre nosotros nos entendemos muy bien: nos escuchamos, nos comunicamos, compartimos nuestras ideas… vemos qué es lo que cada uno quiere poner sobre la mesa.

¿En Metallica no hay un líder único entonces?

Siempre va a haber un líder. Yo diría que Lars siempre sabe qué es lo que está pasando antes que cualquiera de nosotros, pero eso es importante que suceda, necesitas tener alguien así. A veces ninguno de nosotros quiere tomar esa responsabilidad; ese es el mundo de él... Lars es tan bueno en eso… es un genio.

Obviamente trabajar musicalmente con James y Kirk es otra experiencia, pero bueno, necesitas un líder y en este caso, cuando se trata de porqué estamos nosotros acá, tengo que decir que Lars en varias oportunidades nos pone sobre su espalda y nos lleva alrededor del mundo.

En pocas horas te subirás al escenario con tus tres compañeros ¿Qué hace Metallica antes de dar un concierto?

¿Alguien da palabras de motivación en los camerinos, o qué se dicen?

La motivación es la música. Hoy vamos a hacer lo que siempre hacemos, pero el show de esta noche es especial.

Es la primera vez que estamos aquí en Costa Rica y hay tanta música que podríamos tocar; tanta música que los fans quieren escuchar. Creo que no necesitamos tener alguna introducción, la música en el concierto y la energía en el show van a hablar por sí solas para pasar un gran momento.

Ya para terminar ¿A dónde ves al grupo de aquí a diez años?

Creo que en diez años seguiremos haciendo música, siempre y cuando tengamos cerca a nuestro doctor Don, que es nuestro quiropráctico. Es importante que nos haga chequeos y nos mantenga bien físicamente y que nosotros mismos sigamos trabajando el aspecto físico.

La clave es esa, cuidar el aspecto físico, porque de eso se trata esto. A veces estoy practicando en una cancha de fútbol y me pregunto “¿qué diablos estoy haciendo?, tengo 45 años y me estoy esforzando más de lo que lo he hecho en toda mi vida”. Sin embargo es para eso que tienes que hacerlo: para mantener la energía necesaria para una banda como esta. Amamos lo que hacemos y siempre que lo amemos entonces seguiremos haciéndolo…

Y eso sí, en Metallica nunca faltan las ideas musicales, eso ténganlo por seguro.

fuente: vueltaenu.co.cr

Entrevista a Billy Sheehan por Laura López

Con ya casi 40 años de carrera como bajista, Billy Sheehan, para los que le conocemos, no necesita ninguna presentación. Pero si es la primera vez que oyes su nombre, te cuento que comenzó su carrera a principios de los 70`s en la banda Talas y dio paso a tocar en los 80’s junto a David Lee Roth. Dejó huella en su paso por Mr. Big (con quien volvió a subirse a los escenarios recientemente) y ha sido el bajista de Steve vai. Y es que no para…

También aprovecho y recomiendo su trabajo con Tony MacAlpine y Virgil Donati, formando Devil’s Slingshot, donde hace un auténtico jazz-fusión metalizado. Y por su puesto sin olvidarnos de su último trabajo en solitario “Holy Cow”.

LL: Billy, son muchos años ya como uno de los mejores bajistas del mundo. Cuando cojiste el bajo por primera vez, ¿Pensaste que llegarías tan lejos?.

BSH: Nunca. Simplemente me gustó y aún sigo encantado con este instrumento.

LL: ¿A qué edad decidiste dedicarte a la música y por qué elegiste el bajo?.

BSH: Sobre los 11 ó 12 años. Un amigo del vecindario tocaba el bajo, y yo quería ser como él.

LL: Te has codeado con miles de artistas a lo largo de tu larga carrera musical, con unos habrás llegado a trabajar, a otros simplemente les conoces por su trabajo… ¿Crees que el talento nace o se hace?.

BSH: Un poco de ambos, pero sobre todo se hace, eso creo. La mayoría de los músicos que conozco han trabajado duro para ello.

LL: En todo el mundo, estos dos últimos años se ha hablado de CRISIS, por lo que se puede decir que musicalmente estamos en un momento delicado. ¿Cómo está la actualidad musical en USA?.

BSH: Las cosas están bien. Están siendo buenas por todas partes. Puedo evitar escuchar todas las historias de fatalidad y pesimismo.

LL: Vivimos en un mundo marcado por la tecnología, ¿crees que si cuando hubieses empezado tu carrera, hubieses tenido internet, te hubiese sido más fácil llegar a donde estás?, ¿crees que los músicos de hoy son afortunados por tener toda esta clase de medios?.

BSH: Sí y no. No hay suficientes músicos que estén tocando en vivo. Suelo ignorar completamente los videos de YouTube, donde el tipo está sentado en una habitación frente a una cámara. En vivo, en el escenario es donde tiene que tocar.

LL: Hablando de medios y tecnología, ¿cuál es tu opinión a cerca de videojuegos como el GUITAR HERO, ROCK BAND…?

BSH: No estoy seguro. Espero que sí anime a la gente a coger una guitarra de verdad.

LL: Cada vez que hablo contigo estás muy ocupado, cuéntanos cómo es tu día a día fuera de las giras, grabaciones….

BSH: Cada minuto estoy ocupado. 8.000 correos electrónicos, mensajes de correo electrónico FaceBook 4000, 8400 solicitudes de amigo (Facebook sólo permite que los amigos de 5000, y ya hay 4850 aquí), 38.000 mensajes de correo electrónico de MySpace. Una locura. Y además tengo que tocar el bajo y hacer música. Eso es mi prioridad siempre por encima de todo.

LL: Has pasado recientemente por España en el último tour que has hecho con Mr. Big, ¿cómo fue retomar los escenarios con este gran grupo?

BSH: Pasamos un tiempo maravilloso y el show de Madrid fue una de las mejores noches que hemos tenido! En serio.

LL: Visto el éxito que teneís aquí en España, ¿ tienes alguna fecha reservada para presentarnos tu último trabajo en solitario o dar alguna masterclass?.

BSH: Estoy seguro de que en algún momento.

LL: Hace un mes volviste a compartir escenario con Steve Vai, ¿volveremos a veros juntos sobre el escenario de gira?.

BSH: Probablemente, pero no estoy seguro de cuándo.

LL: Ya hemos comenzado un nuevo año y me imagino que con nuevo proyectos. ¿qué nos puedes adelantar?.

BSH: ¡Hay mucho por venir! Estoy trabajando en un montón de cosas. Voy a tener toda la información disponible en mi Myspace, Facebook, Twitter, y mi sitio web, cuando esté disponible .

LL: Muchas gracias por tu tiempo Billy, que tengas un feliz y próspero año nuevo. Te deseamos todo lo mejor.

Fuente: esperanzagalera.com

Marcus Miller interviewed by Jeff Charney

If you never have heard of Marcus Miller, you should go discover him.

He makes the bass tell a story. Miller has quite the resume. Played, recorded or produced with an extensive amount of musicians including Miles Davis, Elton john, George Benson, Earl Klugh, Freank Sinatra, Dave Grusin, Wayne Shorter, Joe Sample, Michael Franks and many, many more! His 1995 release Tales was nominated for a Grammy. His new CD is called M2 and has Grammy nomination potential. On tour as of this writing (8/5/01) and coming to my home town of Kansas City I was given ten minutes with Marcus before he hoped on a bus from Birmingham to Atlanta.

JC: You have produced or played with so many people and not just jazz guys, but rock guys like Elton John, Pop stars like Dave Mathews even Frank Sinatra. Your spend a lot of time working to help others, but not yourself. How come it is so long between records for you?

MM: Usually I take a couple of years. Between this last one and the one that just came out, M2 , it was a long time. I was doing other things. I got into scoring movies, but also I started a new record label and I built a recording studio. I did a lot of things that took time to set up so that once I started I could really get into it. I'm ready to go now.

JC: You are one of the guys that makes a bass tell a story. How did you get to be playing this kind of music the way that you do it?

MM: I really just try to practice so I can play on the bass the way that I heard it in my head. I grew up listening to some great bass players, Stanley Clarke and Jaco Pastorius who are guys that are really expressive on the bass. I guess I was trying to find my way of doing what these guys have been doing?

JC: A lot of bass players are mostly the back beat of the band. You are like the soloist. The lead man.

MM: I think it's unusual for people to hear a band with a bass player out front. If you haven't heard my music a lot of people approach it kind of suspiciously, saying I don't know if this is going to work. I think we found a way to make it work.

JC: You did indeed. The new CD, M2 is excellent. Grammy material.

MM: Thank you.

JC: You were nominated for a prior CD, Tales. Were you disappointed
that you didn't win?

MM: No, for me really the whole thing is just to stay in there. My music kind of falls in the cracks. Things like Grammy's and awards like that they usually have categories. Best instrumental this and Best Jazz that. My music has R&B in it. It has jazz, it has a lot of different elements. So it's hard for people to decide what category I fall in. Just to be in the game, just to be nominated is great for me.

JC: Do you consider yourself a particular category?

MM: I change it from day to day. I'm in NY and I get in a cab and the guy sees my bass he say's "what kind of music do you play?" One day I'll say jazz, the next day I'll say funk. It depends on my mood.

JC: What was it like to work with Miles Davis?

MM: Working with Miles was one of the highlights of my life. He is somebody who I'd admired all my life. When I began to work with him he had been on hiatus for about seven years. Most of us young musicians figured we'd never get to hear him live. When I got the call that Miles was putting together a band and he wanted me to play it was unbelievable. It was like John Coltrane calling you up and saying "hey I want you to be in the band" and you say "hey I thought you were gone?" It was unbelievable. Once I was with him and working with him I just learned so much. He encouraged me so much, he really pointed people in my direction.

JC: He certainly did. You've got a long list of people that you have played with. Besides Miles who was one the guys that is one of the most influential in your career?

MM: Luther Vandross is very influential. He is a great friend of mine. We met in Roberta Flack's band in the late `70's. He said I want to make my own records so I played on his first demo and he actually become a superstar right in front of my eyes. I saw what it takes to get to the level that he is at, the determination and how many people will tell you that you aren't doing it correctly or that you'll never make it and I learned about what it'll take in terms of perseverance.

JC: That's the key, perseverance?

MM: Yes, but you got to be talented that's the first element. In addition to your talent you have to know what you want to do and you can't let people distract you and discourage you.

JC: Do you like producing more than playing?

MM: I kind of like both because if somebody told me I couldn't play anymore I was just going to be a producer I don't think I'd enjoy that. If I could only play and I couldn't produce I don't know if I'd be into that either, but if I had to make a choice I'd choose playing because that is what I really love to do.

JC: You produce a lot of music and one in particular is a staple of the smooth jazz format. I'm talking about the Bob James/David Sanborn version of "Maputo." I was just recently in Florida and I listened to four different smooth jazz radio stations and each station played that song. Sometimes the format doesn't play you in particular but it plays your music.

MM: It's great to hear. What's funny to me is that songs like "Maputo" that I wrote were specific moods. They were part of a big picture. When I'd write music for people I'd write up tempo, aggressive songs. I'd always write a smooth song that had a nice easy vibe to it. To see a whole format on that one kind of color is really fascinating. It is really amazing like you were saying to drive around the country and turn on the radio and hear that song. It makes me think about guys like Paul McCartney and John Lennon, guys who have written like 50 songs like that, it just makes me think what an incredible feeling for me with just that one song.

JC: Written in the mid 80's right?

MM: It sure was.

JC: Here it is 2001, we are talking 15 years later and your song is still a staple on the radio.

MM: It is really important to write a song that is not connected to a particular trendy style, because when you write really trendy songs you'll be lucky if they get played 15 years later, but if you write a
song just from your heart and it's a beautiful melody that has a chance of becoming a classic.

JC: Give me a synopsis of the latest CD M2.

MM: M2 is where I hear contemporary jazz going. It's got a hard edge on some of the songs and is pretty funky , but it also has some beautiful melodies . I took some classic jazz songs by John Coltrane and Charle Mingus and I updated them to the way I hear music going these days. I'm pretty proud of it. I have some cool guests like Herbie Hancock and Chaka Khan and Raphael Saddiq. I'm pretty excited about it.

JC: Are these guys on tour with you?

MM: No they are all out with there own bands. It's summertime and everybody puts a band together and goes and brings their music to people, but I was just glad to get them on the album.

JC: Any surprise guests in your band?

MM: I have a guy who is a trumpeter who is fantastic. We are working on an album for him now that will be out at the beginning of next year. His name is Michael "Patches" Stewart..

JC: I knew that you were going to say him. He's a bomb..

MM: Yeah he is a great horn player. I'm excited for people to hear him.

JC: Before I let you go you need to tell me about the Billy Cobham song "Red Baron." I just love it.

MM: When I first started playing the bass one of the songs I really loved was Red Barron. There was a couple of songs that were really funky jazz songs like Grover Washington's "Mr. Magic" and "Red Baron" was another one. When I was doing M2 I said "you know I want to do something funky" and that song just popped into my head. I hadn't played it in about 25 years. So I just copied it from my head. I didn't even go and buy the original CD to remind myself and to make sure I had the right notes. It was off of my head from when I learned it when I was 12. When I saw Billy Cobham in Europe he said "hey man thanks for doing that song." I said "did I get it right?" He said "you got it almost right."

JC: That's amazing that you remembered that since you were 12 years old.

MM: I still haven't listened to the original because I don't want to be confronted with how many notes I got wrong. I'm happy with the way it came out.

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Marcus Miller - Warner Brothers (1984)
The Sun Don't Lie - PRA (1993) Buy it now at CDnow!
Tales - PRA (1995) Buy it now at CDnow!
Live & More - GRP/PRA (1998) Buy it now at CDnow!
Suddenly - Import (1998)
Best Of Marcus Miller - Japanese (2000)
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Tipos de Puente

En base a los diferentes tipos de puentes que me ha tocado ver y probar, y en las fallas que he detectado en varios, decidi hacer esta mini-guia (ayudandome en algunos articulos de internet), para que al momento de elegir un puente para su bajo, sea el indicado. Comenzemos primero con definir cual es la funcion del puente, para tener claro que tareas debe cumplir y asi analizar las posibilidades que cada uno de ellos nos brinda. En palabras simples el puente es el encargado de fijar las cuerdas al cuerpo del instrumento, por ende, tiene responsabilidad en el sustain que este nos proporcione, esto se verá afectado por la cantidad de masa que tenga el puente, y lo estables que queden las cuerdas fijadas a él. También nos afectará a la hora de calibrar nuestro instrumento, por lo que los parametros de modificación de altura, extensión y separacion de la cuerda serán fundamentales para llegar al punto exacto de ajuste. A continuación analizaremos los tipos de puentes mas frecuentes con sus ventajas y desventajas, para que las consideren a la hora de adquirir uno.


1.- Puente Standar





Este es el puente mas encontrado en las lineas económicas de toda marca. Generalmente son puentes de poca masa, muy livianos, por lo cual esto afecta directamente el sustain del instrumento, otro problema que presentan es el no tener guias en la base para que los carros no modifiquen su trayectoria hacia los lados, lo cual ademas de afectar la entonación de la cuerda, afecta el sustain, al disipar la vibración con mayor rapidez, debido a que el carro opone poca resistencia al movimiento. Algunos puentes solucionan estos problemas levemente incluyendo unos pequeños surcos para cada carro (como se ve en la foto siguiente). Otro punto en contra, es el tipo de enganche que tienen para la cuerda, ya que al ser un agujero, eso nos obliga a pasar la totalidad de la cuerda a través de el, lo que podría dañarla al rasparla, o lo que nos coartaria de usar cuerdas mas gruesas de no entrar en el agujero, sin contar lo demoroso que es retirar o colocar la cuerda en este tipo de sistema. Un punto a favor sería el tornillo que posee desde la base del enganche de las cuerdas en cada carro, lo cual nos permite un sistema muy práctico a la hora de deslizar el carro para entonar la cuerda de forma correcta.


2.- Puente Tipo "Spector"




Es un tipo de puente utilizado mayoritariamente en esta marca de bajos, tiene la ventaja de ser de gran masa, y de tener los carros dentro de un rectangulo lo cual nos aporta una fijacion suficiente para tener un sustain importante. ademas tiene la ventaja de tener ranuras para instalar las cuerdas, facilitando su instalacion, ya que la cuerda no debe atravesar un agujero. La desventaja de este tipo de puentes, es al momento de entonar la cuerda, ya que el carro esta puesto sobre esta seudo "piscina" sin tener ningun enganche mas que apretarse con los demas atraves de unos tornillos que posee en puente en los costados, obligandonos a soltar los demas carros para poder desplazarlo.


3.- Puente Hipshot A





Es uno de los puentes mas recurrentes en bajos custom, debido a sus excelentes prestaciones, posee bandejas independientes para cada carro, aportando maxima firmeza y sustain, incluye la ranura para instalar las cuerdas, el tornillo para desplazar el carro con facilidad, y 3 pernos para modificar la altura de cada carro, dando las mejores prestaciones de ajuste. Su única desventaja sería su elevado precio.



4.- Puente con separacion de cuerda ajustable "Schaller".





Estos puentes tiene la gran ventaja de contar con un riel en la parte donde la cuerda toca el carro, para poder modificar la separacion entre una y otra cuerda, lo cual nos ahorraria el problema de elegir la separacion de cuerdas del puente. La unica desventaja es que no posee ranura para la cuerda, sino que agujero.




5.- Puente tipo "Warwick".





Este puente, sello indiscutido de la marca alemana warwick, cuenta con dos piezas separadas, una para fijar las cuerdas la cual cuenta con la ranura para instalar las cuerdas. y la otra para dar los paramentros de altura y entonacion. la mayor ventaja por sobre el resto de puentes, es que al tener una base separada para la fijacion de las cuerdas, es que otorga un angulo mas pequeño en la seccion donde los carros tocan la cuerda, eliminando tension innecesaria que podria provocar un corte de cuerdas.



6.- Puente Mono rail.







Se dice de que este tipo de puentes aumentan el sustain debido a que al tener un anclaje especial al cuerpo del bajo para cada cuerda seria mas resistente al movimiento. Cosa que no podria aseverar habiendo probado varios tipos de ellos, eso lo dejo a su criterio, una de las grandes ventajas es que cuentan en la mayoria de las ocasiones, con un orificio que permite que la cuerda traspase el cuerpo del bajo, aumentando la seria de contacto y por ende de vibracion. existen muchos tipos, ya sea con ranuras o agujeros para anclar las cuerdas, con o sin tornillo para modificar la entonacion etc.




En Resumen: Más que marca o tipo de puente que seleccionemos, debemos tener en cuenta que tipo de sistema tiene para los siguientes parámetros:


a.- Sistema de entonacion: Que sea facil de modificar y que cuente con una trayectoria de desplazamiento suficiente para poder entonar la cuerda como corresponde.


b.- Sistema de altura de cuerdas: Ver cuanta flexibilidad tiene a la hora de bajar o subir las cuerdas.


c.- Sistema de enganche de cuerda: Ver si posee ranura o agujero y cual es el que nos acomoda mas.


d.- Sistema de Fijacion de carros: Para saber si los carros estarán lo suficientemente firmes a la base del puente al momento de pulsar la cuerda, y asi no tener fugas de vibración, ni problemas de entonacion.


e.- Separacion de cuerdas: Este punto es escencial al momento de la comodidad para tocar, y que se ajuste de buena forma al diapasón de tu instrumento.


f.- Radio del diapasón: Es un punto importantisimo pero escurridizo también, si tu diapasón es plano, por ningun motivo puedes instalarle un puente con radio.



Bueno espero que esta guia les sirva de ayuda, si bien expuse algunos tipos de puentes solamente, la idea es que noten detalles que para todos algunas vez pasaron desapercibidos, pero que en realidad son de vital importancia a la hora de elegir un puente y que este se desempeñe de buena forma


Fuente: www.chilemusicos.net

Tipos de Cuerdas

Existen basicamente tres tipos de cuerdas: Roundwound, Flatwound, Halfwound.

Roundwound: Las cuerdas de este tipo son por lo general las mas usadas dentro del mundo de los bajistas. Tienen un entorchado circular. Estas dan un sonido brillante que se sostiene por mas tiempo despues del pulsado de la cuerda (sustain). Son suaves al tacto.

Flatwound: Se estila usarlas en bajos fretless, pero no son de exclusividad para aquellos bajos. Estas a diferencia de las roundwound tienen un entorchado plano. Tienen un sonido mas oscuro, y menos sustain.

Halfwound: Estas son menos utilizadas que las dos anteriormente nombradas. Son un hibrido entre las roundwound y flatwound, es decir una mezcla. Presentan la mitad superior (cercana al clavijero) con un entorchado flatwound, osea liso. Y la mitad inferior con un entorchado roundwound, osea circular.

Existes ademas otros tipos de cuerdas como las Groundwound, que son en esencia cuerdas roundwound las cuales se lijan, siendo casi como las flatwound pero se obtiene un sonido un poco mas brillante que con las flatwound. Y existe un cuarto tipo de cuerda que son las Tapewound, que son de entorchado circular, pero recubiertas de nylon, lo cual se le asemeja tambien a las flatwound, dando un sonido opaco, y un tacto mas agradable.

Aqui una imagen con tres tipos de cuerdas (de arriba hacia bajo), Roundwound, Flatwound, Groundwound.

Fuente: www.chilemusicos.net